Bron bringt Farbe in die Welt der Fine Jewelry! Leuchtende Edelsteine sind das Herz der Kollektion. In liebevoller Handwerkskunst werden sie in 18K Rose-, Weiß- oder Gelbgold gefasst, und klassische Styles werden neu interpretiert. Bron steht als Marke für lässigen Luxus: fröhlich feminine Designs, die nach Herzenslust kombinierbar sind.

Im Jahr 1888 ließ sich ein Vorfahre von Heleen Bron als Gold- und Silberschmied in Schoonhoven nieder. Das romantische Städtchen gilt von alters her als die „Silberstadt“ der Niederlande – mit einer langen Handwerkstradition und einer bedeutenden Fachschule für Gold- und Silberschmiede sowie Uhrmacher.

Im Jahr 2000 übernahm die Designerin die Leitung des täglichen Geschäftsbetriebs von ihrem Bruder. Damals fertigte das Familienunternehmen noch keine eigene Kollektion. Seit 2001 hat sich das Geschäftsmodell Schritt für Schritt gewandelt. Heute werden mehr als 90 Prozent der Bron Kollektion in deren Haus entworfen und vor Ort hergestellt. Darüber hinaus greift Heleen Bron auf die besonderen Fähigkeiten von drei erstklassigen Werkstätten in Deutschland und Italien zurück.

Der jüngste Abschnitt in der Geschichte von Bron hat im Jahr 2012 begonnen: Als zweiter Geschäftsführer kam Hans van Willige an Bord, der zuvor bei McKinsey und Nike war. Seine große Erfahrung im Marketing und im internationalen Geschäft ist die perfekte Ergänzung zur traditionell-handwerklichen Herkunft des Hauses.

Schmuck von Bron wird ausschließlich aus Gold und mit natürlichen Edelsteinen, Perlen und Diamanten gefertigt. Denn Gold wird nicht von ungefähr als besonders edles Metall angesehen. Mit seinem hohen spezifischen Gewicht liegt es im wahrsten Sinne des Wortes schwer in der Hand, fühlt sich dabei aber auch weich und warm an. Beim Design des Schmucks lässt sich die Designerin immer wieder von der klassischen Formensprache inspirieren, gibt ihr jedoch ein modernes Gewand. Heleen sieht erst dann einen Entwurf als gelungen an, wenn er eine unverwechselbare Komposition aus Klassik, Moderne und Weiblichkeit darstellt. Nicht allzu ernst, sondern angenehm lässig. Die Stücke sollen oft und gern getragen werden – und nicht nur sonntags oder an Feiertagen aus der Schmuckschatulle geholt werden.

Das Herzstück der Kollektion bilden Farbsteine. Die Edelstein-Fachleute, Paul van Muijden und Ellen van Beek, sind mehrmals im Jahr in der ganzen Welt unterwegs, um für Nachschub zu sorgen. Ihre Arbeit ist inspirierend, aber auch sehr zeitaufwändig, da jeder einzelne Stein im Hinblick auf seine Farbe, Form und Qualität beurteilt werden muss. Gelegentlich stoßen Paul und Ellen dabei auf Steine von ausnehmender Schönheit, mit denen Heleen Bron und ihr Team eine limitierte Kleinserie ganz besonderer Schmuckstücke realisiert. Umso gespannter sind sie jedes Mal, mit welchen „Leckerbissen“ im Gepäck ihre Edelstein-Fachleute nach Schoonhoven heimkehren.

Die Kollektion Bron ist in mehrere Familien unterteilt, die jeweils ihren eigenen Namen tragen. So gehören etwa die Ringe mit Steinen im Cabochonschliff zur Familie Catch – ein Name, der hervorragend zu der Krappenfassung passt. Pavéfassungen vieler kleiner, funkelnder Steine zeichnen die Familie Stardust aus und die Vorsteckringe heißen nicht von ungefähr Stax. Heleen Bron liebt es Elemente aus verschiedenen Familien zu kombinieren und so Abwechslung, Leben und Individualität zu schaffen.

Seit 1873 und bis zum heutigen Tag ist die Manufaktur mit ihren Werkstätten das Herz von Niessing. Alle Schmuckstücke werden in Vreden gefertigt: Vom Entwurf über die Schmelze der Gold- und Platinbarren bis hin zum fertigen Schmuckstück, bei Niessing ist die gesamte Manufaktur unter einem Dach. Wir sind überzeugt: Nur so kann großes Design entstehen.

Viele Menschen legen Hand an, bis ein einzelnes Schmuckstück fertig ist. Sie arbeiten mit den verschiedensten Techniken, von traditionell bis höchst innovativ. Da braucht es für den einen Arbeitsschritt die ruhige Hand des Goldschmiedemeisters und gleich danach kommt der modernste Laser zum Einsatz.

Was für Niessing undenkbar ist: Massenfertigung. Jedes Niessing Schmuckstück ist ein wertvolles Original, nur für Sie hergestellt. Qualität und Ästhetik stehen bei Niessing an erster Stelle. Mit Leidenschaft und Präzision werden täglich einmalige Schmuckstücke hergestellt. Werkstatt und Designabteilung forschen und entwickeln gemeinsam: von jedem das Beste. Nur so kann Ungewöhnliches entstehen. Klare Formen, starke Emotionen und Design in höchster Qualität.

Niessing hat die moderne Schmuckwelt wie keine andere Marke geprägt. Querdenken, neu denken, Traditionen schätzen und den Mut Neues zu wagen ist fester Bestandteil ihres Selbstverständnisses. Der Stil von Niessing ist einmalig und wird überall auf der Welt verstanden. Dieser Schmuck dominiert nicht, er unterstreicht die Persönlichkeit. Er tut wohl. Er macht Freude. Er spricht aus, was Sie anderen Menschen sagen. Und Sie geben Ihrem Schmuck seinen Sinn. Ihren Rang als Museumsstücke erobern Schmuckstücke von Niessing zu Recht. Denn sie sind innovativ, immer unverwechselbar und zeitlos und wurden bereits bei vielen internationalen Designwettbewerben ausgezeichnet.

Bei der Beschaffung der Rohstoffe legt Niessing großen Wert auf Nachhaltigkeit. Alle Edelmetalle stammen aus dem Sekundärkreislauf, auch Urban Mining genannt. Die Manufaktur verwendet demnach recycelte Edelmetalle – aus unserer Sicht der „ökologischste Ansatz“. Auch die Niessing-Now Verpackung besteht aus nachwachsenden Rohstoffen wie Kork und Papier. So können Sie sich mit gutem Gewissen über Ihr Schmuckstück freuen.

Mit ihrem edellässigen Schmuck ist die Schmuck- Designerin Charlotte Lynggaard direkt am Puls der Zeit. Ganz in der Tradition ihres Vaters, dem renommierten dänischen Goldschmied Ole Lynggaard stehend, ist sie seit 1992 der kreative Part des Familienunternehmens. Die Kollektionen von Ole Lynggaard sind klassisch und modisch zugleich, dabei markant, feminin und von der Natur inspiriert. Hier trifft alte Handwerkskunst auf modernen Look, 18-Karat-Gold und Edelsteine in ausgefallenen Farbnuancen sind inspirierende Begleiter für alle Lebenslagen.

Mit 26 Jahren begann Charlotte Lynggaard, für ihren Vater Ole Lynggaard zu arbeiten, der sein gleichnamiges Schmuck-Label 1963 in Kopenhagen gegründet hatte. Seither steht der Name für feinsten handgearbeiteten Schmuck. Charlotte Lynggaard absolvierte eine Ausbildung zur Goldschmiedin, arbeitete in Paris, San Francisco und der Schweiz, bevor sie in das Familienunternehmen einstieg und zurück nach Kopenhagen ging. „Ich wollte unbedingt vorher die Welt sehen und reisen, bevor ich bereit war, mich fest niederzulassen, damit ich später nichts bereue“ sagt die gebürtige Dänin.

Sogar mit über 80 Jahren ist ihr Vater noch jeden Tag im Atelier und kreiert eigene Entwürfe. „Wir machen zwar beide unsere eigenen Kollektionen, aber inspirieren uns gegenseitig. Ich frage ihn oft um Rat.“ Welches der beste war, den sie je bekommen hat? Da gibt es sogar zwei! Erstens: „Bei der Qualität sollte man nie Kompromisse machen.“ Bei Edelsteinen zum Beispiel kommt es sowohl auf den Schliff als auch auf die Farbe an. „Wir beziehen unsere Steine deshalb von überall auf der Welt, Mondsteine etwa aus Sri Lanka, Opale aus Australien. Jedes Detail ist wichtig.“ Und zweitens: „Man darf keine Ruhe geben, bevor man zufrieden ist. Diesen Rat kann ich jedem geben, egal ob Familienbetrieb oder nicht.“

Die luxuriösen Schmuckdesigns von Charlotte Lynggaard sprechen alle Frauen an, ob elegant, feminin oder modern. Charlottes Fähigkeit, diese ganz besondere Klarheit in ihren Designs einzufangen und einen eleganten, herben und trotzdem sinnlichen Look zu schaffen, ist zu ihrem Markenzeichen geworden. Für Charlotte muss Schmuck unwiderstehlich sein, aussagekräftig und markant. Das ist der Charakter, den Charlotte Lynggaard ihren umwerfenden Designs intuitiv zu verleihen versucht, um ihren weiblichen Ausdruck mit einer eleganten Extravaganz zu versehen. Ein schönes Beispiel ist die dänische Kronprinzessin Mary, die gerne und viel Schmuck der Marke Ole Lynggaard trägt, wie ein ganz besonders kostbares Diadem, dass ihr Charlotte kreiert hatte.

Jörg Döring wurde in den 60er Jahren im Ruhrgebiet geboren. Derzeit lebt und arbeitet er in Meerbusch bei Düsseldorf. In den 80er Jahren entstehen erste Arbeiten, die zunächst in regionalen Ausstellungen gezeigt wurden. 1995 zieht er nach Düsseldorf und es finden Ausstellungen in München, Hamburg und Nürnberg statt. Schnell folgen internationale Ausstellungen, z.B. in Basel, Wien, Palma, Zürich, Luxemburg, Göteborg, New York, Paris, London usw.

Er kombiniert in seinen Arbeiten unterschiedliche Techniken wie die Ölmalerei, Serigrafie und Collagetechnik. Dadurch entstehen an die Pop Art angelehnte Arbeiten, die eigene Geschichten erzählen, deren Ausgangspunkt Döring häufig wieder durchkreuzt. Dadurch entstehen frische und in mehrfacher Hinsicht vielschichtige Kunstwerke, die seinen Eigensinn und Freigeist wiederspiegeln.

Durch seine ausgefeilte Technik bestechen seine Arbeiten durch Leichtigkeit, Schönheit und vollendete Ästhetik.

Der Ursprung der ‚Crazy Little Things‘- Arbeiten resultiert aus dem Wunsch des Künstlers, den bisherigen kreativen Spielraum zu erweitern, verbunden mit der Herausforderung, sich der bisher stets zu kurz gekommene Kleinformat anzunehmen. Serigrafie und Malerei waren hierfür nur bedingt tauglich.

Grundlage der kleineren Arbeiten ist die Collage. In diesen verarbeitet Döring gesammelte und archivierte Rohmaterialien wie alte Magazine, Fotos, Bücher, Belichtungsfilme, Entwürfe, Druckproben, Verpackungen, Skizzen uvm. Er bearbeitet und beschneidet das gesammelte Material. Die ersten „Opfer“ taten noch weh, inzwischen überwiegt die Freude über das Ergebnis.

Im Unterschied zu den Serigrafien wird das Archivmaterial nicht mehr digital modifiziert, sondern im Original verarbeitet. Aus der Kombination unterschiedlichster Thematiken, Typografien, Abbildungen und Motiven entstehen kleine, mal skurrile, meinst nicht ganz ernst gemeinte Bilder.

Die ‚Crazy Little Things‘ werden als Installation präsentiert. Dadurch zeigt sich Dörings Idee, dass diese Arbeiten einzeln, aber auch als Gruppe funktionieren und jede Arbeit zu Anderen passt. So, wie es keinerlei Grenzen in der Gestaltung gibt, weil sich Jörg Döring auf seine künstlerische Freiheit beruft, soll es auch in der Hängung und Anordnung keine Einschränkungen geben!

Inzwischen kristallisieren sich beim Künstler favorisierte Gestaltungsformen heraus. Seine große Herausforderung sieht er im gesucht Rohen, Puren, Einfachen, Schnellen und Spontanen, schlicht darin, den Atelierflair aufrecht zu erhalten…